Autor: Museo Garnelo

Desde el Museo Garnelo de Montilla, queremos manifestar nuestra más profunda gratitud por la reciente publicación de un magnífico artículo dedicado a la obra «Vesubio», de José Garnelo y Alda, en la revista DESCUBRIR EL ARTE.

La revista de arte, líder en el sector, dedica su sección «MI OBRA FAVORITA» a esta tabla de Garnelo, con el siguiente texto extraído de su sumario:

MI OBRA FAVORITA: El instante eterno del Vesubio. Garnelo encierra en esta tabla un latido que hermana la fragilidad del momento con la eternidad de la memoria y revela a un pintor universal, a la altura de los mejores paisajistas europeos. José Galisteo Martínez.

Galisteo, historiador del Arte, logra revelar cómo Garnelo se erige en un pintor universal, demostrando ser capaz de «dialogar con las corrientes más modernas de su tiempo». Galisteo ha sabido dotar a su pluma de las bondades del pincel garneliano; luminosidad, rigurosidad y vitalidad que, no solo analizan la obra en cuestión, sino que nos ofrecen una ventana privilegiada a la conmovedora maestría de Garnelo, permitiendo que la pieza resuene con una nueva y emocionante claridad para el espectador contemporáneo.

Gracias a su destreza narrativa y su conocimiento, el autor logra que la belleza de la pintura trascienda la «quietud» de la tabla, ofreciendo al lector una conexión íntima con el espíritu creativo de Garnelo. Su labor es un tributo elocuente al legado imperecedero del maestro.

En el Museo Garnelo quedamos agradecidos a DESCUBRIR EL ARTE por abrir sus páginas para acoger tan valiosa reflexión y, fundamentalmente, a José Galisteo Martínez por su excepcional contribución, que enriquece la comprensión de nuestro legado artístico.

Invitamos a todos nuestros visitantes y seguidores a adquirir la revista para sumergirse por completo en el excelente análisis de Galisteo y, por supuesto, a visitar el Museo Garnelo para contemplar la obra «Vesubio» personalmente; junto a todas esas otras que el autor define como «tablas íntimas», en las que «la fugacidad de la mirada se transforma en quietud estética».

 

       F. R.

El pasado 18 de septiembre, el Museo Garnelo celebró una presentación pública especial para dar la bienvenida a una nueva joya, con sabor a Montilla, que enriquece nuestra colección: «Recuerdo de los Olivares de Montilla». Esta hermosa tablita, fechada en 1916, representa un pormenor del famoso lienzo garneliano, «Milagro en el barrio de Tenerías», que se encuentra en la Parroquia de Santiago.

La obra transmite un recuerdo lírico y evocador de los paisajes de Montilla, reflejando la nostalgia del artista. Su estilo es el mismo que el del conjunto de pequeñas tablas que se exponen en la sala dedicada a la “pintura intimista”; pincelada suelta, rápida y pastosa, que les confiere frescura y vitalidad. Verdaderas notas de color que representan la faceta más íntima y lírica de sus paisajes.

La tabla ingresa al museo gracias a la generosidad de la familia Ros Acevedo. Doña Beatriz Ros Acevedo realizó la donación en nombre de su familia, tras contactar con el museo por iniciativa propia. Desde aquí, les reiteramos nuestro profundo agradecimiento por este gesto.

 

La faceta desconocida de Garnelo: el mecenazgo

El acto de presentación fue el marco para la conferencia de nuestro Director Honorario, José Antonio Cerezo Aranda; «La labor de mecenazgo de José Garnelo y Alda». Se trata de un tema interesante y poco conocido dentro de la extensa obra del pintor montillano.

Durante la charla se abordó la faceta de Garnelo como un hombre generoso que hizo importantes donaciones a diversas instituciones culturales españolas, como el Instituto de Valencia de Don Juan, el Museo de Bellas Artes de Valencia y el Museo Fortuny de Reus. Se destacó también su donación a la Parroquia de Santiago de Montilla, para la que compuso el gran lienzo «Milagro en el barrio de Tenerías», en 1910, y el conjunto del Apostolado en 1934.

Garnelo fue incluso un «adelantado a su época» en el micromecenazgo (o crowdfunding), al impulsar, en 1913, una suscripción popular para que «La Adoración de los Reyes», de Hugo van der Goes, no saliera de España y tuviera como destino final el Museo del Prado, aunque la iniciativa finalmente fracasó.

 

El futuro del Museo y el llamamiento a la generosidad

Finalmente, José Antonio Cerezo recordó que la existencia del Museo Garnelo se debe a la labor de mecenazgo ejercida sobre la obra de José Garnelo, que comenzó con la materialización del sueño de nuestro mecenas y alma mater, Manuel Cabello de Alba Moyano.

“Son los donantes y cedentes quienes renuncian a su disfrute privado para compartir estas creaciones con la sociedad”.

Aprovechando que en 2026 cumpliremos veinte años desde la inauguración del museo, renovamos la petición que nuestro Director Honorario realizó al finalizar la conferencia:

«… el que tenga y pueda que done obra, que nos ayude a engrandecer este museo que hoy es honra y orgullo de Montilla».

Ayer, jueves 18, tuvo lugar en el Museo Garnelo la presentación de la obra «Recuerdo de los olivares de Montilla». Se trata de una bellísima  tabla, de 20 x 31 cm., que transmite un recuerdo lírico y evocador de los paisajes de Montilla, la tierra del pintor. El acto fue acompañado por una magnífica conferencia de José Antonio Cerezo Aranda, Director Honorario del Museo Garnelo: «La labor de mecenazgo en José Garnelo y Alda», que nos ilustró en una faceta del maestro desconocida para muchos.

El Museo Garnelo quiere expresar a la familia toledana Ros Acevedo su más profundo agradecimiento por la generosa donación de la obra que conservaban. Su incorporación a nuestra colección representa mucho más que la suma de una pieza artística. Se trata de un acto de generosidad y compromiso, con el arte y la cultura, que valoramos inmensamente. En tiempos en los que la conservación del patrimonio cultural requiere del esfuerzo conjunto entre instituciones públicas, privadas y la ciudadanía, gestos como el suyo destacan por el ejemplo que brindan a nuestra comunidad.

Según las referencias que nos transmite doña Beatriz Ros Acevedo, la obra proviene de la herencia de su madre, de un familiar que pudo haber tenido relación personal con Garnelo. De esta tabla no solo procede alabar su notable calidad artística; además, posee el valor de ser un delicado eco de la Montilla recordada por Garnelo; un pequeño fragmento de la historia de su paisaje, hecho arte por el maestro. Sabemos que no es sencillo desprenderse de una pieza que ha acompañado generaciones a la familia, y es por ello que este gesto nos honra profundamente. Recibirla implica para nosotros una gran responsabilidad: la de conservarla, investigarla y, sobre todo, compartirla con el público, garantizando que su belleza y significado continúen vivos a través del tiempo.

«Recuerdo de los olivares de Montilla», 1916

La composición no busca una descripción detallada ni académica del paisaje, sino una impresión emocional, casi melancólica, como si la imagen emergiera de la nostalgia del artista. Se organiza en franjas horizontales sucesivas; esto genera una sensación de profundidad gradual. El horizonte lejano, coronado por la silueta de Montemayor, se eleva como una sombra difusa en contraste con los primeros planos, donde los verdes y ocres de la propia tabla sugieren los olivares y los campos cultivados. Hay una atmósfera de serenidad que trasluce el vínculo afectivo del pintor con su pueblo.

La mancha oscura de vegetación en el centro y la luz más clara del cielo crean un balance armónico que evita rigidez, permitiendo que el ojo del espectador sea capaz de viajar suavemente, pese a las reducidas dimensiones de la tabla. El recurso de la lejanía se logra con veladuras, colores apagados y contornos difuminados en el horizonte, herramientas cercanas al paisajismo romántico y al impresionismo. Garnelo emplea aquí un estilo mucho más libre que en sus composiciones académicas o históricas. La pincelada es suelta y rápida, breve, pastosa y cargada de materia en algunos sectores, dotando al paisaje de una extraordinaria frescura y vitalidad.

En este tipo de obras de carácter intimista, se aleja el artista del rigor académico, para entregarse a una pintura más subjetiva, casi de ensoñación, donde importa más la emoción personal que la exactitud topográfica, de ello tenemos una excelsa muestra en nuestras salas.

 

                                    F. R.

 

 

El próximo jueves, 18 de septiembre, a las 20:00 horas, José Antonio Cerezo Aranda, Director Honorario del Museo Garnelo, pronunciará en la Casa de las Aguas la conferencia «LA LABOR DE MECENAZGO DE JOSÉ GARNELO Y ALDA»

La labor de Garnelo como mecenas es amplia y se extiende en todos los aspectos del termino mecenazgo: docencia, donaciones, publicaciones…, incluso protagonizó un convencido activismo en la defensa del arte. José Antonio Cerezo abordará esta faceta del maestro, para muchos desconocida.

En el mismo acto será presentada la tabla «Recuerdo de los olivares de Montilla», donación realizada por la familia toledana, Ros Acevedo, al Museo Garnelo.

«… Pocos empeños más atractivos que el de honrar al mayor autor vivo que tenemos en Córdoba, ahora que ha rebasado los ochenta años. Más allá de las modas, Clementson ha sido siempre un poeta de guardia, a la vieja usanza, independiente, riguroso, de fertilidad desbordante y obra indiscutible.» 

Comité organizador: Miguel Clementson Lope, Bernd Dietz, Eduardo Mármol y Juan Miguel, Moreno Calderón.

Carlos Clementson es una figura fundamental en la poesía cordobesa actual. Su obra se distingue por un clasicismo contemporáneo, combina una reflexión intimista, de sólida y exquisita base formal, con una sensibilidad moderna, abordando temas universales como el paso del tiempo, la memoria y la belleza. Esta fusión lo convierte en puente entre la tradición y la contemporaneidad. Ha sido una influencia clave para varias generaciones de poetas en la región, no solo a través de su escritura, sino también por su papel como catedrático de Literatura y su labor de divulgación cultural. El impacto de Carlos Clementson en la poesía de Córdoba va más allá de su producción literaria, promotor de encuentros y lecturas poéticas, su obra ha sido galardonada con importantes premios, consolidándolo como uno de los poetas más importantes de su generación en España. Clementson representa la conexión entre la tradición poética y las sensibilidades contemporáneas, en cierto modo es el guardián de la herencia de Cántico y mantiene viva la llama de la poesía clásica en la Córdoba de hoy.

Del martes 2 al domingo 21 de septiembre, el comité organizador de CARLOS CLEMENTSON, UNA PLEAMAR QUE NO CESA. Homenaje de la Ciudad de Córdoba, nos presenta esta deslumbrante muestra.  Para Carlos Clementson, la pintura no es solo otra forma de arte, sino una disciplina con la que su poesía se entrelaza de manera profunda, comparte la misma esencia que el verso, un espejo donde la palabra se vuelve visible. La pintura tiene la capacidad de salvar algo de la nada y del tiempo. Un retrato o un cuadro pueden capturar la esencia de una persona o de un momento y hacerlo «fiel reflejo incólume» que perdura. Al igual que la poesía, logra «librarte de la nada, rescatarte del tiempo, en realidad fingida, pero alentando vida». A través de «unos pigmentos de color y de luz», el pintor, con su «sabio mester de reiterar la vida», le da cuerpo y alma a lo inerte del lienzo.

No podía un homenaje a Carlos pasar por alto la pintura, camino del mismo fin que la poesía; la creación de una realidad que desafía el paso del tiempo y celebra la belleza y la vida. Garnelo estará presente en la muestra con la obra «Atenas. El Erecteo y el Partenón al sol de la tarde», un óleo sobre lienzo dedicado a su amigo, el escultor Miguel Blay.

La fascinación de Carlos Clementson por Grecia es una de las constantes de su obra, se manifiesta en su poesía a través de ese clasicismo contemporáneo que utiliza la mitología y la geografía griega como pilares de su universo lírico. Su interés por Grecia no se limita a referencias superficiales, sino que se evidencia en títulos de sus obras, como Los dioses desterrados y La música de Orfeo: una antología del espíritu griego. Esto demuestra una dedicación profunda al estudio y la recreación del imaginario clásico.

Clementson evoca a Grecia como la cuna de la belleza y la armonía. La luz, el mar y las rocas de sus costas se convierten en símbolos recurrentes en sus versos, elementos que conectan su sensibilidad con un pasado glorioso que él busca revivir a través de la palabra. Grecia no es solo un lugar geográfico, sino una idea, un espíritu que impregna su escritura y le da una dimensión atemporal.

La debilidad de Garnelo y de Clementson por Grecia es similar, ambos la ven como un referente cultural y estético supremo, aunque cada uno la traslade a su obra a través de su propio medio artístico, Garnelo en la representación visual de sus mitos y Clementson en la evocación lírica de su espíritu y su paisaje. En la obra de ambos, el Mar Egeo, el sol y las ruinas hablan de la memoria, el tiempo y la condición humana.

El Museo Garnelo se suma a este merecido homenaje y reitera su eterno agradecimiento a Carlos por su Non omnis moriar. Verso y prosa para un panorama de la cultura española, un diálogo poético y reflexivo entre la literatura y la pintura, que dedicó a Garnelo en 2006. Nuestro agradecimiento hace que esta obra de Clementson se integre hoy en el discurso curatorial del museo, como un enlace vital entre la pintura y la poesía que enriquece la experiencia del visitante.

 

                                    F. R.

 

 

El desarrollo de la IA en la interpretación de obras de arte ha sido un proceso gradual, ligado a los avances tecnológicos y a la evolución de los propios algoritmos; no es un fenómeno repentino, sin embargo, a partir de 2010 la invención de las redes neuronales convolucionales (CNN) marcó un antes y un después. Estos modelos, inspirados en la estructura del cerebro, son excepcionalmente buenos para el reconocimiento de imágenes. A través de múltiples capas de procesamiento, una CNN puede descomponer una imagen en sus componentes más básicos (bordes, texturas, colores) y luego reconstruirlos para identificar objetos, rostros y, crucialmente, las particularidades de un estilo artístico. Con las CNN, la IA pudo empezar a analizar detalles imperceptibles para el ojo humano, como las pinceladas individuales. Esto llevó al desarrollo de herramientas que podían identificar la «firma» pictórica de un artista con una precisión de más del 90%, lo que revolucionó la autenticación de obras. Proyectos de investigación en diversas universidades de prestigio comenzaron a utilizar estas herramientas para analizar obras de maestros como Rembrandt, Van Gogh o Velázquez.

A partir de 2020, la explosión de herramientas de IA generativa (como DALL-E, Midjourney o Stable Diffusion) ha cambiado el panorama hasta el punto de ser incluso capaces de crear de nuevas obras, su desarrollo ha mejorado significativamente la facultad de la IA para entender los elementos estilísticos del arte.

Esta capacidad de las nuevas herramientas para realizar un análisis multifacético se utiliza para objetivos tan sorprendentes como descubrir conexiones históricas. Infinidad de algoritmos que analizan poses y composiciones están revelando influencias entre artistas y obras que los historiadores no habían percibido. También son excepcionales en campos como la conservación y restauración. La IA puede identificar las áreas de una obra que necesitan restauración o analizar cómo los materiales se han deteriorado con el tiempo. Al mismo tiempo, estas tecnologías promueven nuevas experiencias educativas. Museos como el Prado o el Rijksmuseum están colaborando con empresas de IA para crear experiencias interactivas que permitan a los visitantes explorar las obras de formas completamente nuevas.

ARTERA

ARTERA es una plataforma y comunidad en línea dedicada al arte, utiliza esta tecnología para ayudar a descubrir, aprender y compartir obras. No es solo un sitio web, también funciona como una aplicación (disponible en la App Store y para Android). Su objetivo es hacer que el mundo del arte sea más accesible para todos, sin importar su nivel de conocimiento. Entre más de 750.000 obras de todos los tiempos, ha seleccionado 48 de José Garnelo y Alda; la traducción a través del navegador es sencilla aunque los audios, por el momento, solo están disponibles en inglés.

La IA de ARTERA utiliza diversas técnicas para «interpretar» una obra de arte, centrándose en  datos visuales como el análisis de pinceladas y estilo. Sus algoritmos pueden identificar patrones estilísticos, únicos de un artista, al analizar detalles microscópicos como el grosor, la presión y la dirección de las pinceladas. Esto crea una especie de «huella digital» que es casi imperceptible para los humanos y resulta crucial para la autenticación de obras.

Sus sistemas de visión artificial intentan detectar conexiones y influencias, analizan la composición de las obras, buscando similitudes en las poses de las figuras, la paleta de colores y el estilo. Esto ha permitido descubrir conexiones y vínculos entre artistas que los historiadores del arte desconocían. La IA puede trazar la influencia de un artista sobre otro, incluso a través de décadas o siglos.

La app también es capaz de realizar un análisis de los materiales y de la composición química de los pigmentos utilizados en una obra, al comparar ciertos rasgos con una base de datos de materiales conocidos de la época del artista. Con algoritmos muy avanzados puede realizar un análisis del tema y del simbolismo presente, identificar objetos, personajes y temas recurrentes en una obra. Esto ayuda a los investigadores a estudiar cómo un artista representa ciertos conceptos o símbolos a lo largo de su carrera.

 

¿CON QUÉ NOS QUEDAMOS? PROS Y CONTRAS

La IA carece de los elementos más profundos y humanos de la apreciación artística, actualmente presenta importantes lagunas como puede ser la falta de creatividad y emoción. No tiene la capacidad de sentir o de ser creativa en el sentido humano. No puede comprender el dolor del artista al pintar, su contexto biográfico en el marco histórico-social de una época o la intención emocional detrás de una obra. Las interpretaciones de la IA no pueden, por tanto, ofrecer una lectura sobre los sentimientos o de la experiencia del artista.

Otra de sus limitaciones es la ausencia de contexto cultural e histórico. Una obra de arte no existe en el vacío. Su significado está ligado a la cultura, la historia personal del artista y los eventos de su tiempo. La IA, que se basa en datos y patrones, puede pasar por alto estos elementos subjetivos y cruciales; por ejemplo, podría describir el color rojo de un cuadro, pero no sabría si ese color simboliza la pasión en una cultura o el luto en otra. En ocasiones, ciertas reflexiones históricas de la obra de Garnelo y algunos análisis históricos y sociales de Artera pueden parecer osados intentos de adivinar lo que el pintor tenía en su mente. Estas elucubraciones son derivadas del esfuerzo por intentar ver el cuadro no solo como una imagen, sino como una ventana a un momento histórico y cultural específico, de enriquecer nuestra apreciación.

Hemos de tener siempre presente que la IA es una herramienta técnica, un buen punto de partida. Sus interpretaciones son un excelente complemento para el análisis humano, no un sustituto. Las consideraciones sobre el significado, la emoción, el contexto y la intención del artista siguen siendo, por el momento, un territorio exclusivo para las cualidades humanas.

En general, podemos decir que la IA es muy útil para analizar el «qué» y el «cómo» de una obra de arte, pero no para comprender el «por qué» de su existencia. Debemos usarla como un punto de partida personal para entender la técnica, y complementar esa información con nuestra propia curiosidad y aprendizaje sobre la historia del arte, sobre Garnelo y todo aquello que nos permita profundizar en la verdadera esencia de cada pieza.

 

                                   F. R.

Ya disponemos, en nuestro canal YouTube, del vídeo íntegro de la conferencia «José Garnelo y el mundo clásico», pronunciada en el Museo Garnelo, el 21 de mayo de 2025, por Javier Barón Thaidigsmann.

Desde el Museo Garnelo de Montilla, nos sentimos inmensamente orgullosos de nuestra estrecha y leal amistad con Javier Barón Thaidigsmann, Jefe de la Colección de Pintura del Siglo XIX en el Museo Nacional del Prado; una relación que se extiende por más de 20 años, desde nuestro primer encuentro en la primavera de 2005. Javier siempre ha sido valedor incondicional de nuestro proyecto, mostrando una opinión muy positiva sobre el traslado de obras del Museo del Prado a Montilla.

Él nos considera un “museo ejemplar” por el cuidado en la disposición de las obras, el “cariño con el que se colocan los cuadros” y el “excelente trato que dispensamos a los depósitos del Prado”. De hecho, nos expresó que “ningún otro espacio expositivo era mejor” para obras como Muerte de Lucano, cuya recuperación fue un auténtico desafío, incluso para el Prado.

Gracias a esta valiosa colaboración y al compromiso de Javier Barón, hemos recibido en depósito tres obras fundamentales de José Garnelo, procedentes del Museo del Prado: Muerte de Lucano, Jesús Manantial de Amor y Lourdes. Barón subrayó que estas tres obras, de gran formato y premiadas en certámenes nacionales e internacionales de Bellas Artes, se exhiben con todo merecimiento en nuestro museo. La cooperación con Javier Barón y el Museo del Prado es un pilar fundamental para nuestro continuo crecimiento y dinamismo. Le estamos inmensamente agradecidos por su apoyo constante y por considerar siempre ésta su casa.

 

                                                                    F. R.        

Ayer, miércoles 21, el Museo Garnelo tuvo el honor de acoger la conferencia titulada «José Garnelo y el Mundo Clásico», pronunciada por Javier Barón Thaidigsmann, quien actualmente es Jefe de la Colección de Pintura del Siglo XIX en el Museo Nacional del Prado.

Javier Barón, respetado historiador del arte que cuenta con una extensa trayectoria académica y profesional, fue doctorado por la Universidad de Oviedo con premio extraordinario. Se unió al Museo del Prado en 2003, como conservador, y posteriormente asumió la jefatura del departamento. Ha comisariado numerosas exposiciones importantes en el Prado y es autor o coautor de numerosos trabajos relevantes sobre arte español del siglo XIX. Su rol en el Prado implica decisiones clave sobre adquisiciones, conservación y la presentación de las obras. Barón abordó el profundo conocimiento que José Garnelo y Alda tenía del mundo clásico y de la mitología, y cómo exploraba los detalles de la Antigüedad con fascinación arqueológica.

Durante la conferencia se destacó que uno de los primeros cuadros de historia de Garnelo, Muerte de Lucano, se encuentra inmerso en esta tendencia clasicista. Esta obra es una de las tres que el Museo del Prado tiene depositadas en Montilla y su recuperación fue un auténtico desafío, incluso para tan alta institución. Barón desveló las profundas conexiones del lienzo con los de otros autores de su tiempo y el entramado de su disciplina artística.

Desde que el Museo Garnelo inició las primeras gestiones, Barón siempre mostró una opinión muy positiva sobre el traslado de Muerte de Lucano a Montilla, pensaba que ningún otro espacio expositivo era mejor para la obra. Gracias al patrocinio de Cajasol, el depósito se hizo posible en 2010.

Tan ilustre ponente fue presentado por Miguel Carlos Clementson Lope, autor de «El Mundo Clásico en José Garnelo y Alda», que continúa siendo el referente para conocer esta cara de la poliédrica personalidad garneliana.

Rafael Llamas Salas, Alcalde de Montilla y Presidente del Museo Garnelo, expresó su gratitud a Javier Barón por sus gestiones y por aceptar compartir con nosotros su tiempo y experiencia, lo cual consideró un acto de compromiso con la difusión del conocimiento, muy valorado en nuestra ciudad.

Para mayor información, visite «Nuestra Voz», el portal de Carmina Leiva, donde pueden escuchar una breve entrevista a Javier Barón Thaidigsmann.

La conferencia íntegra podrán disfrutarla en nuestro canal YouTube, en cuanto sea editada.

El Ayuntamiento de Montilla se suma a la celebración del Día Internacional de los Museos con una programación especial que combina divulgación, patrimonio y cultura accesible del 15 al 21 de mayo, enmarcada en el lema propuesto por el Consejo Internacional de Museos para este año: ‘El futuro de los museos en comunidades en constante cambio’.

Javier Barón Thaidigsmann es, actualmente, Jefe de la Colección de Pintura del Siglo XIX en el Museo Nacional del Prado. Obtuvo el Doctorado en Historia del Arte en 1989, con premio extraordinario de la Universidad de Oviedo, donde también fue profesor. En 1990 recibió el Premio de Investigación Juan Uría y, en 2003, se unió al Museo del Prado como conservador. Es académico correspondiente de las Reales Academias de la Historia, Bellas Artes de San Fernando y San Telmo de Málaga. Además, es miembro del Consejo de Calificación y Valoración de Obras de Arte del Ayuntamiento de Madrid y del Patronato de la Fundación Museo Sorolla.  Como es fácil entender, su currículum es tan extenso que sería prácticamente imposible listarlo por completo sin omisiones reprochables. Vamos, tan solo, a apuntar que ha comisariado o co-comisariado numerosas exposiciones significativas en el Prado, aportando nuevas perspectivas a la colección y atrayendo a un público más amplio. Por citar algún ejemplo, de tantas notables, recordamos las exposiciones sobre Eduardo Rosales y «Arte y transformaciones sociales en España (1885-1910)».

Las publicaciones e investigaciones de Javier Barón contribuyen, de forma importante, a la comprensión del arte español del siglo XIX y su contexto. Respetado historiador del arte, ha sido autor o coautor de importantes trabajos sobre artistas como Sorolla y el siglo XIX en el Prado.

Barón contribuye a la dirección general y al rigor académico del Museo del Prado. Su responsabilidad  implica tomar decisiones sobre adquisiciones, préstamos, esfuerzos de conservación y las narrativas presentadas en las galerías. Su papel como Jefe del Departamento subraya su importancia en varios aspectos clave de las operaciones de la institución y su impacto en la comprensión del arte del siglo XIX.

 

Javier Barón y el Museo Garnelo

Como miembro veterano y de alto rango del equipo curatorial del Museo del Prado, Barón también ha estado involucrado en la restauración y el enmarcado adecuado de pinturas del siglo XIX, reconociendo la importancia de estos elementos para la correcta apreciación de las obras de arte. En 2005 formaba parte del equipo de José Luis Díez y, en nuestra primera visita para solicitar el depósito de Muerte de Lucano, mostró una opinión muy positiva sobre su traslado al Museo Garnelo de Montilla. El Prado había emprendido una revisión sistemática de sus depósitos para recuperar obras destacadas que no tenían visibilidad, la de Garnelo era una pintura que preocupaba especialmente al Departamento en los últimos años, debido a su «relevancia, interés y estado de conservación deficiente»; en esta tarea fue también encomiable el trabajo de Mercedes Orihuela. Javier Barón, que irradia una calidez  y receptividad que derriten cualquier formalidad, consiguió que saliéramos de allí verdaderamente ilusionados con esa posible recuperación, al  expresarnos que ningún otro espacio expositivo era mejor que el Museo Garnelo para la obra. En 2010, gracias al patrocinio de Cajasol, se hizo posible el traslado de Muerte de Lucano. Barón, con motivo de su recepción y acompañado de la restauradora Lucía Valverde, que nos habló de las necesidades del lienzo, pronunció una conferencia en el Museo Garnelo.

 

JOSÉ GARNELO Y ALDA Y EL MUNDO CLÁSICO

Por Javier Barón Thaidigsmann

Su conferencia abordará el profundo conocimiento que Garnelo tenía del mundo clásico, específicamente del mundo grecolatino, que le dejó una marcada huella en su sensibilidad artística durante su periodo de formación en Roma, convirtiéndose en una constante que impregnó toda su producción. Esta inclinación hacia los temas de la Antigüedad Clásica es claramente perceptible al valorar su obra, mostraba una doble pasión por el mundo clásico: la del pincel y la de la pluma. Su adopción de los valores clasicistas no era superficial, sino que emanaba de una comprensión profunda de su trascendencia en la historia del arte y de la cultura. Poseía un conocimiento excepcional de la Mitología, y su personalidad erudita exploraba con fascinación arqueológica cada detalle de la Antigüedad. El mundo clásico fue una fuente inagotable de temas en sus viajes por Italia y Grecia. Uno de sus primeros cuadros de Historia, Muerte de Lucano, se encuentra inmerso en esta tendencia clasicista y es una de las tres obras del Museo del Prado en Montilla, nadie mejor que Javier Barón para desvelar la elocuencia silenciosa de esas pinceladas.

La conferencia será presentada por Miguel Carlos Clementson Lope, autor de «El mundo clásico en José Garnelo y Alda», magnífico elenco para adentrarnos en este aspecto de la personalidad artística del maestro.

El Museo Garnelo y Montilla quieren expresar su eterna gratitud a Javier Barón por todas las gestiones y desvelos que nos ha dedicado y, en este momento,  por aceptar generosamente la petición de compartir su tiempo y experiencia, con todos nosotros, a través de esta conferencia. Un acto de compromiso con la difusión del conocimiento, habitual en él, que es profundamente valorado por nuestra ciudad.

 

F. R.        

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